Día 21: "High noon" de Dimitri Tiomkin (1952)


No es difícil hacer un comentario de una partitura de Dimitri Tiomkin. No lo es por motivos obvios: gran parte de sus scores se caracterizan por ser solventes y épicamente intensos. ¡Poquísimos compositores (y no sólo cinematográficos) pueden presumir de ello! Por lo tanto, sería inútil destacar alguna de sus obras, siempre engalanadas con sus tonalidades enérgicas y marcadas por un inconfundible estilo melódico que ha hecho de Tiomkin una referencia de la música sinfónica del siglo XX.
En 1952 compuso una de sus bandas sonoras más célebres,High noon (Solo ante el peligro), por la que ganó su primer Oscar (los otros tres serían la canción de la película, y The high and the mighty y The old man and the sea). High noon es una creación dominada por una orquestación poderosa en la que todos los instrumentos parecen conjuntarse en una especie de baile musical armónicamente perfecto. La reciente edición de Screen Archives, completada con un lujoso libreto, ofrece por primera vez la partitura en su totalidad, con sonido mono pero cuidadosamente digitalizado. En ella y con sus 33 temas podemos disfrutar de todos los detalles del estilo mencionado de Tiomkin, que parece adquirir protagonismo en cada uno de ellos pero sin destacar, sólo conjuntándose a la perfección con la historia del filme de Fred Zinnemann; como el tema que podéis escuchar en el archivo: Two minutes to twelve.

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Orquestación: Manuel Emanuel, Paul Marquardt & Herbert Taylor.


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Día 20: "Revolution" de John Corigliano (1985)


Altered states, Revolution y The red violin, junto a adaptaciones televisivas y cinematográficas de The ghosts of Versailles y The Oscar winning chaconne, conforman la obra de John Corigliano, que, aunque breve, es realmente intensa por su carácter de música con fuerte personalidad inspirada en un evidente clasicismo, no exento de una modernidad que siente la atonalidad casi como propia.
Increíblemente, su obra maestra Revolution (Revolución), el masacrado pero eficiente filme de Hugh Hudson protagonizado por Al Pacino, no ha sido editada en formato digital hasta 2010. ¿Motivos? Quizás los típicos relacionados con los derechos de la película. Es una partitura sugerente y emotiva en la que destacan sus pasajes intensamente dramáticos, pero en la que su apasionado Tema de amor parece inmiscuirse en un interminable conjunto de melodías muy alejadas de lo previsible.

Orquestación: John David Earnest.

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Día 19: "Young Sherlock Holmes" de Bruce Broughton (1985)


Todos los aficionados, y creo no equivocarme con esta afirmación, opinamos que Young Sherlock Holmes (El secreto de la pirámide) es una obra maestra. Desde su Main title hasta su The riddles solved/ End credits, todo en la partitura del entrañable Bruce Broughton es mayúsculo. Ya sé que mi particular estilo caracterizado por acentuar los calificativos superlativamente tiene sus defectos, pero en el caso de la presente obra maestra podría, y debería, utilizarlos todos.
No hay rincón en forma de tema que desmerezca del conjunto. Ciertamente es muy extraño encontrar scores con este don a la hora de ser tan creativos en todas sus melodías. Quizás sólo John Williams ha sabido dotar a sus creaciones de una temática original en cada caso, porque en la mayoría de ellos los compositores suelen conformarse con lo incidental
Young Sherlock Holmes es una película del irregular Barry Levinson que resulta hoy en día un tanto envejecida (aunque muy por encima de otros filmes de corte familiar de la época o actuales), pero la música de Broughton sobresale gracias a un estilo sinfónico imponente, que destaca abiertamente en temas como Waxing Elizabeth, The final duel o Solving the crime.
1985 fue el año de Broughton, pues también compuso su otra obra maestra, Silverado. A partir de entonces siempre he querido volver a sentir las mismas vibraciones con sus otros scores. Raras veces ha ocurrido. No obstante, es un autor ejemplar que siempre ha merecido un mayor reconocimiento en la industria cinematográfica.
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Orquestadores: Mark McKenzie & Don Nemitz.


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Día 18: "Forever young, forever free" de Lee Holdridge (1976)


Forever young, forever free fue un score de la etapa inicial de Lee Holdridge (lo compuso con 32 años), en la que empezaba a ser reconocido en el mundo del cine, sobre todo después de sus arreglos sobre la música de Neil Diamond para Jonathan Livingston Seagull (1973). El compositor haitiano siempre ha sido un autor con un don especial a la hora de crear temas emotivos, y es precisamente por esto que Forever young, forever free resulta una banda sonora entrañable por su Childhood theme, uno de esos temas cuya escucha repetida nunca cansa.
Amparándose en el carácter sensible y lúdico de dicha melodía (no olvidemos que se trata de una película de corte familiar), Holdridge dibuja una obra en su conjunto muy bien dimensionada, con una orquestación en apariencia sencilla pero que se apoya en firmes cimientos.
Como curiosidad indicar que, a pesar de la calidad de la partitura, todavía no ha sido editada en CD, existiendo sólo dos publicaciones, una italiana y otra norteamericana.

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Día 17: "Capricorn One" de Jerry Goldsmith (1977)


Como ocurría en el caso de otro gran maestro como era John Williams y la elección de su Monsignor, para Jerry Goldsmith me he decantado en esta primera cita (serán bastantes más, como es obvio) por su imponente trabajo para la película del casi siempre competente Peter Hyams Capricorn One (Capricornio Uno). Imponente no por ser una banda sonora de sonoridades espectaculares de principio a fin, sino por su tema principal (uno de mis preferidos) y por algunos cortes de orquestaciones majestuosas (su buen amigo Arthur Morton siempre supo sacar partido a la obra de Goldsmith).
Capricorn One es otro de esos scores que permanecen en mi memoria como de iniciación en el mundo de la música de cine. Recuerdo repetir una y otra vez el Main title en la edición de vinilo que, curiosamente, acaba de ser reeditada. Es una versión mejor arreglada que la que aparece en la película, y en ella luce con brillantez una de las orquestas favoritas del músico californiano: la Orquesta Filarmónica Nacional del Reino Unido (inolvidable para aquellos que disfrutamos con Charles Gerhardt y su serie de Classic Film Scores).
Aunque la banda sonora tiene momentos de decaimiento, en los que Goldsmith sólo dibuja lo incidental, Capricorn One no es únicamente esto; es, en definitiva, una partitura cuyo solvente dramatismo seduce por su contundencia a la hora de acentuar la fuerza de las imágenes.
Orquestador: Arthur Morton.
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Día 16: "Mao's last dancer" de Christopher Gordon (2009)


Quizás no sea normal incluir entre las 365 bandas sonoras una novedad, aunque sólo sea por el hecho de caracterizarse de una edición recién salida al mercado y con poco tiempo como para analizarla con perspectiva. Su lugar más conveniente podría haber sido el blog de Scoresdecine, pero tras escuchar Mao’s last dancer, del músico británico Christopher Gordon, no me queda más remedio (es un decir) que arrodillarme ante su creación.
El CD se abre con el tema principal, Out of the well, de evidentes pero reconfortantes aires orientales, y a él le sigue una sucesión temática en la que sobresale con luz propia el último y espectacular corte, Village dance and Finale (archivo de Goear). En el camino nos encontramos con melodías de reforzado tono asiático que se combinan con otras más clásicas, unas del propio Gordon y otras adaptaciones de piezas de Mozart, Tchaikovsky, Burgmüller y Minkus. Y es precisamente esta mezcolanza de estilos la que hace de Mao’s last dancer una rara avis dentro de la música de cine actual. Salvo autores ya consagrados, es muy raro descubrir a un compositor que transmita con tanta maestría su pasión por la música. Pero no es una novedad en el caso de Christopher Gordon; ya había seducido con anterioridad con scores tan notables como sus creaciones televisivas On the beach y, sobre todo, Moby Dick.
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Orquestador: Christopher Gordon.


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Día 15: "My dog Skip" de William Ross (2000)


William Ross ha cimentado su carrera sobre todo como orquestador, empezando en 1987 con Lethal weapon de Michael Kamen, uno de los mejores scores de acción de todos los tiempos, y siguiendo con posterioridad con bandas sonoras tan remarcables en sus arreglos como Robin Hood, prince of thieves, Forrest Gump, Mousehunt o Harry Potter and the chamber of secrets.
Pero aparte de dicha labor, Ross también ha compuesto para la gran pantalla magníficas partituras que, aunque parecen esconderse tras los grandes autores del momento, merecen un lugar destacado en la historia reciente de la música cinematográfica. Hablo de bandas sonoras como The amazing panda adventure, Tin Cup, The tale of Despereaux o la presente My dog Skip. En esta última el músico norteamericano hace gala de un estilo puro y sensible que se apoya en un tema principal realmente memorable, típico quizás en su empleo melódico de un piano melancólico, pero acertado por su sentido elegante del subrayado musical. Es un trabajo, en definitiva, reconfortante para el oyente y muy recomendable por su delicadez.
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Orquestadores: William Ross, Milton Nelson y Don Nemitz.


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Día 14: "Exodus" de Ernest Gold (1960)


En 1960 Ernest Gold “luchaba” con su Éxodo en la batalla de los Oscar contra pesos pesados comoDimitri Tiomkin (El Álamo), Alex North (Espartaco), André Previn (El fuego y la palabra) y Elmer Bernstein (Los siete magníficos). ¡Casi nada! Al final consiguió su merecido y único galardón de su fructífera carrera musical. En ella brillan con luz propia La hora final (1959), Vencedores o vencidos (1961), El mundo está loco, loco, loco (1963) o El secreto de Santa Vittoria(1969). Todas ellas tienen en común el hecho de pertenecer a producciones del infravolarado Stanley Kramer, con el que Gold formó una de las parejas cinematográficas más destacables de la historia del cine.
En el caso de Éxodo Gold compuso una partitura apoyada en la majestuosidad de un tema principal memorable, de esos que ya desgraciadamente no se crean, pero sin dejar de lado lo incidental. Es una especie de sinfonía en la que todo el pentagrama tiene vida propia fuera de la pantalla. Por ello, Éxodo es una obra maestra, recordada recientemente en una magnífica edición discográfica de Tadlow Music, con la irregular The City of Prague Philharmonic, que realiza la que es quizá su mejor interpretación hasta la fecha…y eso que no han sido pocas en los últimos años.
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Orquestador: Gerard Schurmann.

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Día 13: "Monsignor" de John Williams (1982)


¿Por qué Monsignor (Monseñor) como primera obra de John Williams en la lista? La verdad es que la selección no sigue un orden de preferencia, sino más bien de improvisación que busca evitar escoger al principio todos los más destacados. De todas maneras, confieso que Monsignor es una de las partituras de Williams que más me emocionan, quizás por el recuerdo del ya casi olvidado LP comprado hacia finales de los 80. Era una época, en cierta manera, en la que se disfrutaba más de la música ya que cada disco era una pequeña joya que se degustaba con paciencia. Ahora, quizás, el aluvión de ediciones y la posibilidad increíble de disponer de multitud de bandas sonoras hacen que los aficionados no sintamos como antes todos los infinitos detalles de cada score.
Monsignor es posiblemente el encargo más clásico de Williams. La Orquesta Sinfónica de Londres brilla con todo su esplendor en cada uno de los cortes de la composición, desde el ampuloso Theme from Monsignor hasta el majestuoso Gloria, sin desmerecer de temas como Reunion in Italy o At the Forum. Todos conforman un score intensamente dramático, que demuestra como pocos que la música cinematográfica es un género mayor.
Orquestador: Herbert W. Spencer.

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Día 12: "Rebecca" de Franz Waxman (1940)


Rebecca fue la primera película del maestro británico Alfred Hitchcock en Hollywood, y su ópera prima estadounidense inició toda una serie de películas inmortales que permanecen en la memoria histórica del cine.

Hitchcock siempre supo rodearse para sus proyectos de grandes compositores. Ejemplos significativos son Notorious (Roy Webb), Spellbound (Miklós Rózsa), The Paradine Case (Franz Waxman), Strangers on a train (Dimitri Tiomkin) o Family plot (John Williams). Su asociación con Bernard Herrmann merece un capítulo (más bien un libro) aparte.

En el caso particular de Rebecca, Franz Waxman creó una partitura muy acorde con el intenso melodrama romántico de la película, abordándolo a través de una temática musical de refinado academicismo en la que estilizadas melodías recorren la película cual personaje de apariencia oculta. No hay temas superficiales ni momentos de decaimiento. Todo es destacable en una pieza orquestal de imponentes orquestaciones, preámbulo de un estilo un tanto grandilocuente que caracterizará a las bandas sonoras del Hollywood de los años 40 y 50.
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Orquestadores: Robert Russell Bennett, Hugo Friedhofer, Paul Marquardt, Joseph Nussbaum y Leonid Raab.


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Día 11: "Molière" de Frédéric Talgorn (2007)


Molière (Las aventuras amorosas del joven Molière) es uno de los scores más elegantes de los últimos años, pleno de belleza, estilo y encanto. Serenas melodías de corte barroco y temas adornados por una contagiosa vivacidad conforman un partitura perfecta de principio a fin y que debería formar parte de toda colección musical que se precie de tener joyas en su haber.
La película de Laurent Tirard es un entretenido divertimento que se ve reforzado por la música de Frédéric Talgorn, quien con mano maestra dibuja pinceladas alejadas del trazo grueso para dotar a la historia de una vitalidad fuera de lo común, creando un cuadro de tonalidades brillantes.
El CD comienza con el tema principal, Thème de Molière, y desde ese descriptivo momento asistimos a una sucesión de coloristas melodías, a cada cual más sugerente, que ni cansan ni provocan la típica sensación de la música de cine actual, es decir, sensación de déjà vu por los cuatro costados.
Talgorn es un compositor con un especial talento a la hora de plasmar en el pentagrama piezas delicadas pero a la vez con la suficiente personalidad, y que hacen de él un artista de gran capacidad creadora.
El tema que he escogido como modelo de la banda sonora es Départ de chez Jourdain, para mí el mejor de 2007.
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Orquestador: Frédéric Talgorn.


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Día 10: "Greystoke, the legend of Tarzan, king of the apes" de John Scott (1984)


Es totalmente incomprensible que John Scott no sea hoy en día un compositor habitual para las grandes productoras de Hollywood. En realidad, la lista de músicos que podrían formar parte de este particular grupo no es muy extensa, pero sí significativa. Sobresalen Lee Holdridge, Joel McNeely y Bruce Broughton.
La mayor parte de su obra siempre me ha parecido destacable por su envidiable capacidad melódica, algo poco habitual en la mayoría de los compositores actuales. De hecho, sólo la mayoría de los clásicos y maestros como John Williams (aunque podría ser calificado como tal) han tenido ese don a la hora de crear temas perdurables.
De Scott podría incluir (quizás aparezcan más adelante, cuando el camino “se estreche”) scores del calibre de Mountbatten, Man on fire, King Kong lives o Shoot to kill, pero Greystoke, the legend of Tarzan, king of the apes (Greystoke, la leyenda de Tarzán, rey de los monos) es una obra sin igual por su tono abiertamente clásico y, sobre todo, por sus atinados arreglos de piezas de Edward Elgar. Posiblemente por ello no fuera nominado a los Oscar (las normas en este sentido son un tanto estrictas), una de las más llamativas injusticias de la Academia.
Main title, Tarzan,lord of the apes, Gardens of Greystoke, Return to the jungle y Closing credits son algunos de los temas que permanecen en mi memoria como imborrables; auténticos exponentes del estilo de un autor con mayúsculas que se merece un lugar de honor en el Olimpo de los grandes artistas de nuestro tiempo.
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Día 9: "The big country" de Jerome Moross (1958)


The big country (Horizontes de grandeza), junto a The magnificent seven de Bernstein, no tiene rival dentro del género musical del western. Es cierto que en el mismo hay grandes partituras como Silverado, The reivers, Duel in the sun, Bite the bullet o Río Conchos, pero el score de Jerome Moross los supera por su cuidado estilo a lo americana que ha hecho de los compositores americanos referentes en la música del siglo XX.
Moross es un autor cuya obra se centró más en las composiciones de concierto, pero sus incursiones en la gran pantalla (16) son, al menos, dignas de estudios individuales. Más adelante, cuando me acerque a fechas más lejanas, revisitaré sus bandas sonoras y alguna más tendrá su lugar de honor en esta particular aventura.
The big country es un clásico por su célebre tema principal (Main title), que se repite en incesantes variaciones a lo largo del filme. Su tono alegre y, hasta cierto punto, desenfadado hace que toda la banda sonora resulte en todo momento vibrante. Incluso los momentos melodramáticos parecen fundirse en un abrazo melódico con los más ligeros, no por ello repercutiendo negativamente en el conjunto final.
Hay muchos cortes a recordar. The welcoming, subrayado de la singular bienvenida al personaje interpretado por Gregory Peck, es posiblemente (y siempre después del mencionado principal) el que me resulta más solvente por su carácter juguetonamente tragicómico.
Destacar, finalmente, la plausible edición completa (74 minutos) que en 2007 salió a la venta de la mano del sello La-La Land.
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Orquestadores: Alexander Courage, Gil Grau, Bernard Mayers & Conrad Salinger.



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Día 8: "What dreams may come" de Michael Kamen (1998)


Todos echamos de menos a Michael Kamen. De entre sus bandas sonoras, como con cada gran autor, es difícil elegir una que destaque sobre las demás. De hecho, en este viaje musical de 365 días de recorrido temporal es muy probable que los compositores que han pasado, y pasarán, a la historia del cine repitan más de un score.
Confieso mi admiración por bandas sonoras suyas como Die hard, Lethal weapon (modélicas en su estilo), The dead zone, Don Juan de Marco u Open range, pero la que permanece más en mi memoria musical es What dreams may come (Más allá de los sueños), Oscar en su día a los mejores efectos visuales y canto sinfónico de majestuosa belleza. En particular hay un tema, en forma de tríptico Summerland & The painted world / The painted bird flies / Christy flies, que describe a través de melodías melancólicas un mundo idealizado símbolo del Edén que sirve de fondo pictórico a la película. Pero todos los temas configuran una obra de singular belleza que va de lo dramático a lo excelsamente romántico; un romanticismo en el fondo próximo a la sensibilidad elegante de la que Kamen siempre ha hecho gala.
En un principio los productores habían contratado al maestro Ennio Morricone para componer la música, lo cual hizo pero fue rechazada, decantándose finalmente (y desde mi punto de vista afortunadamente) por el score de Kamen, quien supo plasmar mucho mejor en el pentagrama toda la fuerza visual de las imágenes.
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Orquestadores: Robert Elhai & Michael Kamen.


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Día 7: "The Abyss" de Alan Silvestri (1989)


Después de bandas sonoras tan consistentes como Fandango, Back to the future, Predator o Who framed Roger Rabbit, el neoyorquino Alan Silvestri soprendió a propios y extraños con esta lúcida e intensa creación que es The Abyss. Todavía recuerdo cuando las deficiencias de la grabación en cassette no me permitían disfrutar en toda su amplitud la música de Silvestri; era 1990, una época en las que el sonido digital empezaba a emerger en España, al menos para el que suscribe.
Consideraciones personales aparte, el score es una muestra ejemplarizante de lo que debe ser una composición espectacular, y en ello Silvestri siempre ha sido un maestro. La edición de Varèse, como casi todas breve en contenido, refleja el colorido sinfónico de una obra sin fisuras, directa al corazón en temas como Bud's on the ledge o Back on the air, pasando por el más dramáticamente incidental Sub battle (ejemplo del estilo intenso de Silvestri).
The Abyss es una banda sonora de recuerdos de adolescencia, iniciática en el mundo de la música cinematográfica y que, por ello, representa para mí casi un antes y un después entre las obras de compositores noveles en aquellos lejanos e inolvidables años 90.
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Orquestador: James B. Campbell.


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Día 6: "Spellbound" de Miklós Rózsa (1945)


Sexto día de paseo memorístico, aunque en este caso una banda sonora que fue brillantemente editada por Intrada hace dos años en un CD que incluía todo el score de Miklós Rózsa para Spellbound (Recuerda).
Tras Vertigo es la segunda partitura perteneciente a una película de Alfred Hitchcock, director que siempre acompañó de extraordinarias músicas a sus películas norteamericanas. Para esta historia de amor desmedido, Rózsa incidió en su estilo melodramático, de acordes inconfundibles, finamente aderezado con las pinceladas de un tema de amor de elegantes sonoridades.
Durante el desarrollo del score el músico húngaro recurre a un instrumento poco utilizado en Hollywood: el theremín. Gracias a su placidez hipnótica la obra resulta en más de un momento desasosegante y perturbadora, aunque la afortunada reiteración de los momentos románticos dulcifican esa pasión de Rózsa por las tonalidades oscuras en sus bandas sonoras.
Spellbound, como pocos casos en la historia de la música de cine, tiene la sorprendente capacidad de sobrevivir a la propia película a la que se subordina, pasando a ser hoy en día una pieza que se interpreta como obra clásica en los auditorios de todo el mundo (Spellbound Concerto es la adaptación en forma de suite de 20 minutos que el compositor realizó años después).
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Día 5: "The best years of our lives" de Hugo Friedhofer (1946)


Algunos críticos calificaron The best years of our lives (Los mejores años de nuestra vida) como una de las mejores composiciones para el cine de todos los tiempos. Como es obvio, la inclusión en esta peculiar selección no contradice para nada dicha definición.
Suele ser bastante habitual que si la película es sólida su música también lo sea, aunque las excepciones a lo largo de la historia son numerosas (merecerían por sí solas un libro). Para Hugo Friedhofer debió resultar muy sencillo inspirarse en la maravillosa película de William Wyler, uno de esos clásicos que nunca envejecen. Al score le pasa lo mismo. Con el paso de los años la música parece cobrar vida con cada audición, desde su célebre Main title hasta el ligero tema final, Exit music. Además, gracias a la nueva grabación dirigida en 1978 por Franco Collura e interpretada, con la habitual profesionalidad de las orquestas británicas, por la Orquesta Filarmónica de Londres, la creación de Hugo Friedhofer brilla aún con más esplendor, resultando en definitiva una banda sonora de lujo por su clasicismo carente de innovación pero lleno de sensibilidad.
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Orquestadores: Sidney Cutter, Jerome Moross, Edward B. Powell, Leo Shuken.



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Día 4: "Vertigo" de Bernard Herrmann (1958)


Vertigo es más que una banda sonora. Vertigo es la banda sonora. Cinco palabras que definen, al menos desde mi punto de vista, la música imperecedera del maestro Bernard Herrmann. Otra confesión: el músico neoyorquino es mi compositor preferido. No es el momento de elevar aún más alto de lo que está su figura, pues su obra ya ha sido suficientemente analizada durante los últimos años.
Todos los aficionados echamos de menos su capacidad camaleónica de adaptarse a cualquier género: ciencia-ficción (Fahrenheit 451), comedia (The trouble with Harry), melodrama (Jane Eyre), terror (Psycho), fantástico (Journey to the center of the Earth), thriller (Vertigo), western (Garden of evil), histórico (The egyptian),..... Y es precisamente esa capacidad de adaptación, junto con su talento a la hora de crear melodías sutilmente solventes, que hacen de Herrmann un genio del siglo XX.
Vertigo es su banda sonora más célebre, no solamente por su carácter innovador sino también por pertenecer a una película clave en la historia del cine. Al principio el score fue un tanto criticado por sus 'semejanzas' con la obra de Richard Wagner, aunque lo único que hizo Herrmann fue una adaptación muy personal de su Tristán e Isolda. Pero dejando de lado consideraciones críticas superficiales, Vertigo es lo que es gracias a una temática que se apoya en todo momento en sólidos cimientos musicales, pues Herrmann dibuja una creación de intenso carácter descriptivo que no sólo subraya la acción del filme sino que se convierte, consciente o inconscientemente, en un personaje más de la película de Alfred Hitchcock.
Sería inútil resaltar un tema sobre otro. Todos son perfectos. Desde el imponente prólogo (Prelude) hasta su sorprendente epílogo (Finale), pasando por el inmortal tema de amor (Scène d'amour), el score es una sucesión de melodías plenas de solidez dramática que deslumbran y seducen sin excepción.

Orquestador: Bernard Herrmann.



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Día 3: "El Pueblo del Sol" de Lee Holdridge (1983)


Tercer día y tercera obra maestra. Quizás en eso consiste precisamente, en describir obras de arte escritas en pentagrama. En esta ocasión otra partitura de carácter épico: El pueblo del sol. Se trata de un documental de Alberto Isaac sobre los aztecas que supuso la consagración como autor de Lee Holdrige, quien hasta la fecha (1983) había firmado scores importantes por su calidad (Forever young, forever free, East of Eden o The Beastmaster), pero que aún estaba a la espera de afirmarse para la gran pantalla. Desgraciadamente, y como en el caso anterior de Joel McNeely, Lee Holdridge ha tenido muy pocas ocasiones de lucirse en el mundo del cine; su obra más destacable es quizás el western histórico Gringo viejo. Pero donde se puede sentir toda la fuerza de su música, donde se puede resumir su estilo es precisamente en este El Pueblo del Sol, score, interpretado por la Orquesta Sinfónica de Londres, que es ejemplo perfecto de la intensidad sinfónica con la que Holdridge impregna gran parte de sus creaciones.
El CD se abre con el imponente (desde sus primeros acordes) Fiesta del Sol, que podéis escuchar en el archivo de Goear. Y a partir de este lúcido prólogo el músico americano desarrolla con majestuosidad toda una serie de melodías sugerentes y delicadamente descriptivas que no decepcionan en ningún momento.
El Pueblo del Sol es una partitura de cabecera, de esas que perduran en el tiempo; de esas, en definitiva, que parecen ser solamente un recuerdo del pasado hoy en día.




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Día 2: "Lover's prayer" de Joel McNeely (2000)


Para esta historia protagonizada por Kirsten Dunst, Joel McNeely (siempre en el pelotón de cabeza de los compositores actuales desde que George Lucas lo contratara para su versión televisiva de las aventuras de Indiana Jones), compuso una partitura comme il faut (como se debe), es decir, a la manera estrictamente clásico-romántica, y sin dejar ningún cabo suelto.
Desde su elegíaco Main title, pasando por temas como Goodbye o la variante pianística final del tema principal, Nocturne, McNeely sacar a relucir su peculiar talento a la hora de dibujar melodías sobrias y con carácter, apoyadas en una orquestación a lo Williams que hace que todo el score (de hecho, la mayoría de sus bandas sonoras) sea tan brillante como cualquier clásico de la época dorada de Hollywood.
Los aficionados a la música de cine sentimos que toda su capacidad creadora se quede, por lo general, en producciones que pasan sin pena por las pantallas de cine, por lo que va siendo hora de que McNeely reciba su gran oportunidad que le encumbre donde se merece.



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Día 1: "Mountains of the moon" de Michael Small (1989)


Mountains of the moon es la primera banda sonora de una larga lista anual; así podríamos llamarla para empezar. ¿Por qué la música de Michael Small en primer lugar? Quizás porque ha sido de las primeras que me han venido al recuerdo con más facilidad, y es esta palabra, ‘recuerdo’, la que va a dominar la selección de scores a lo largo del próximo año.
Mountains of the moon (Las montañas de la luna) es una producción de 1989 dirigida por Bob Rafelson que pasó desgraciadamente con más pena que gloria por las salas de todo el mundo. Incluso es muy difícil encontrar alguna cadena de televisión que la programe. Resulta realmente injusto que una película tan sobresaliente sea casi una desconocida para el gran público. Pero dejando de lado consideraciones más o menos populistas, el filme es ya hoy en día un clásico por su factura impecable y su acertado sentido de lo épico.
En cuanto a la composición de Michael Small, toda la partitura es una obra de increíble belleza que no decae en ningún momento y que es modelo musical del cine de aventuras. Desde su prólogo dominado por la inevitable percusión de aires africanos (Main title / Journey) hasta los momentos de delicado romanticismo (The wedding), sin olvidar los temas abiertamente sinfónicos que remarcan el poder de las imágenes (It’s the lake) o aquellos que subrayan con elegancia la historia de amistad entre John Hanning Speke y Richard Burton (Burton’s theme), Mountains of the moon es una obra maestra indiscutible, y, sin duda alguna, una de las bandas sonoras más importantes de los últimos 25 años.
Orquestador: Christopher Dedrick.




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365 días de música y cine


365 días que son 365 recuerdos reflejo de mi pasión por la música de cine. Quizás no sea un proyecto demasiado original pero mi único propósito es mostrar a través de 365 bandas sonoras mi amor por dos artes hermanados: la música y el cine.
Será un viaje al pasado que no evitará detenerse en el presente, aunque la mayoría de las composiciones, quizás por mi corazón clásico o por mi melancolía irremediable, pertenecerán a la época más o menos dorada del séptimo arte (con incursiones oportunamente televisivas).
¿El comienzo de la aventura? Pronto...
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