Día 171: "Murder in the first" de Christopher Young (1995)


Christopher Young es autor de cerca de 100 bandas sonoras y, aunque una buena parte pertenece a los géneros fantástico y de terror, en el fondo siempre ha sabido evitar, en lo posible, el encasillamiento.
En 1995 compuso la que para muchos críticos y aficionados es su obra más completa o mejor acabada: Murder in the first (Homicidio en primer grado). Situada cronológicamente entre dos scores menores, Judicial consent y Tales from the hood, pero muy cercana a otros de mayor reconocimiento popular como Species o Copycat, Murder in the first dibuja con inusitada belleza la dramática odisea de un recluso de Alcatraz quien gracias a la mediación de su abogado consigue que las autoridades acaben cerrando la penitenciaría debido a los continuos abusos que en ella tienen lugar.
Young compone una música muy inspirada en los autores románticos, explotando con enorme pericia todas posiblidades emocionales de la historia a través de una serie de temas que evitan el esbozo para crear personajes y situaciones muy bien perfilados desde el plano musical. Obra de elegantes pero al mismo tiempo brumosas tonalidades, Murder in the first es un placer constante que no debería caer en el ostracismo.
Orquestadores: Pete Anthony y Christopher Young.



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Día 170: "Without a clue" de Henry Mancini (1988)

Sin pistas (Without a clue) es una comedia dirigida por Tom Eberhardt y protagonizada por unos excelentes Michael Caine y Ben Kingsley en una ingeniosa vuelta de tuerca sobre la historia de Sherlock Holmes en la que el doctor Watson pasa a ser el detective.
En cuanto a la música de Henry Mancini resulta un ejemplo más de su enorme talento, ofreciendo al feliz oyente todo un concierto repleto de melodías ágiles y lúdicas que sirven de magnífico telón a la historia del film. Alejándose de su etapa dominada por los temas de influencia jazzística, Without a clue supone un acercamiento más generoso a lo orquestal. Ningún tema además hace decaer el score; más bien todo lo contrario, pues la partitura es un prodigio de composición donde las tonalidades lúcidas y cromáticas nos devuelven a una época en la que la música de cine brillaba con luz propia gracias al saber hacer de genios como Mancini que nunca olvidaremos.


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Día 169: "Batman" de Danny Elfman (1989)

Autor de cerca de 70 bandas sonoras, el músico californiano Danny Elfman es uno de los más admirados por la industria cinematográfica y por los aficionados, que, uno tras otro, esperan expectantes todas sus obras.
En 1989 compuso el score para la megaproducción de Tim Burton Batman, protagonizada por un sobreactuado Jack Nicholson y un más comedido Michael Keaton. Situada entre Scrooged y Nightbreed, Batman es una banda sonora que marca el inicio de su especial relación con el cine de superhéroes, y que continuaría, entre otras, con Dick Tracy, Darkman, Batman returns o Spider-Man.
Elfman siempre ha sido un autor con un don muy peculiar a la hora de describir musicalmente las historias de corte fantástico y de ciencia-ficción, pues aparte de las referidas son de destacar otras como The nightmare before Christmas, The frighteners, Mars attacks, Planet of the apes, Charlie and the Chocolate Factory o Alice in Wonderland, en las que da rienda suelta ha sido sentido de lo mágico a través de melodías de fuerte carácter e innegable belleza.
Para Batman compuso, con la inestimable ayuda de su inseparable amigo Steve Bartek, una partitura pomposa y hasta cierto punto rimbombante, pero que se disfruta desde los primeros acordes por su aire desenvuelto y divertido, en especial su tema principal, que curiosamente se asemeja a otro del mismo año: el creado por Jean-Claude Petit para Cyrano de Bergerac. Pero esa es otra historia.

Orquestadores: Steve Bartek y Steven Scott Smalley (no acreditado).



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Día 168: "The Poseidon adventure" de John Williams (1972)

Hoy martes el sello La-La Land edita, por primera vez con sonido estereofónico, una de las bandas sonoras míticas de John Williams: The Poseidon adventure (La aventura del Poseidón). El score supuso el primero de una serie relacionada con el cine de catástrofes (ya mencionada con anterioridad en The towering inferno), y que afirmaba la preferencia de Williams por las partituras de aire enfático que acentuaban el componente más enérgico de la trama.Cursiva
The Poseidon adventure le debe mucho de su resultado final a una anterior obra, Images, en la que Williams jugaba con la atonalidad de una manera muy perspicaz. Sin embargo, en el caso de la película dirigida con brío por Ronald Neame, el genio neoyorquino despliega una temática menos alejada de lo melódico al componer dos temas principales espectaculares (Main title y End title/The rescue) que manifiestan su gusto por lo purista y académico. Son dos partes lúcidas que conviven con otras mucho más sombrías centradas en la parte trágica de la película.
Como detalle final señalar que la edición de La-La Land incluye material inédito, en concreto música diegética y cortes alternativos.
Fragmentos de dicha edición en www.lalalandrecords.com

Orquestador: Alexander Courage.

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Día 167: "The Amati girls" de Conrad Pope (2000)

Conrad Pope es uno de los más prestigiosos orquestadores de la industria del cine. De entre sus arreglos sobresalen bandas sonoras tan significativas como The Rocketeer (James Horner), Jurassic Park (John Williams), Guarding Tess (Michael Convertino), The jungle book (Basil Poledouris), Volcano (Alan Silvestri), Sleepy Hollow (Danny Elfman), Star Trek: Nemesis (Jerry Goldsmith), Peter Pan (James Newton Howard) o The curious case of Benjamin Button (Alexandre Desplat). De hecho, es el orquestador habitual de John Williams, junto a John Neufeld.
Sin embargo, su labor no se reduce a la instrumentación, pues Pope también ha escrito sus propias bandas sonoras. Desde 1992 es el autor de once, de las cuales acaba de ser editada por el sello MovieScore Media In my sleep. En el año 2000 compuso el score para la película de Anne de Salvo The Amati girls (La familia Amati), que pasó por las salas de cine con más pena que gloria y que, a buen seguro, provocó que la banda sonora no fuera editada oficialmente (la única grabación existente es una Promo del propio autor). La partitura de Pope se desarrolla desde la intensidad de su temática refinada y elegante, marcada por un tema central (The family united) que se reitera a lo largo del score de manera continua pero nunca empalagosa.
Es muy difícil encontrar hoy en día una pieza musical de tan cuidada producción y que, al mismo tiempo, pertenezca a un filme de escaso calado artístico. Conrad Pope es un profesional que sabe aprovechar sus escasas oportunidades para deleitarnos con una eficiencia en la elaboración de su música realmente inusual y que demuestra que determinados autores permanecen en el anonimato de manera injusta pese a su sobresaliente talento.

Orquestador: Conrad Pope.




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Día 166: "Michael Collins" de Elliot Goldenthal (1996)

El compositor neoyorquino Elliot Goldenthal, ganador de un Oscar por Frida en 2003, fue en sus años de estudiante en la Escuela de Música de Manhattan alumno de los prestigiosos músicos Aaron Copland y John Corigliano, cuya influencia es evidente en las bandas sonoras de su filmografía de carácter sinfónico, en especial Alien 3, Demolition Man, Interview with the vampire, Sphere (ya comentada en el blog) y Michael Collins. Esta última resulta uno de sus scores más representativos por su carácter abiertamente expresivo.
Goldenthal escribe una partitura que combina el romanticismo más delicado de su tema de amor con la emotividad trágica del resto de la obra, claramente centrada en la exposición de la parte más cruda de la historia (Boland's death o Football match).
La banda sonora, en la que por cierto interviene la voz temperamental de Sinead O'Connor, concluye con un enfático Funeral/Coda, muy al estilo de anteriores obras que terminan con epílogos majestuosos, que demuestran que Goldenthal se decanta como autor por lo clásico sin dejar de lado lo más innovador.

Orquestadores: Robert Elhai, Elliot Goldenthal, Deniz Hughes, Sonny Kompanek y Richard Lee.



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Día 165: "To kill a mockingbird" de Elmer Bernstein (1962)

To kill a mockingbird (Matar a un ruiseñor) es una de las grandes películas del séptimo arte. Robert Mulligan realizó un filme que hizo honor a la novela de Harper Lee, y que además se benefició notablemente de la contenida interpretación de Gregory Peck y, en especial, del emotivo score del músico neoyorquino Elmer Bernstein.
Aunque la historia de Lee parece conceder un protagonismo a la inquietud del universo infantil, en el fondo es un relato visual y literario que intenta reflejar con sereno realismo el doloroso tema de la segregación racial. Para ello Bernstein compuso un tema principal que forma parte viva de la historia del cine junto con su célebre tema de The magnificent seven, y que sirve de ejemplar vínculo emocional entre el espectador y el drama que relata Mulligan con impresionante delicadeza.
Toda la banda sonora está instrumentada de manera aparentemente sencilla, pero no es más que una apariencia, pues resulta una creación de encomiable mesura musical que otorga un especial protagonismo al carácter melancólico de la cuerda (en particular el piano, el harpa y el violín).



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Día 164: "The reivers" de John Williams (1969)


The reivers (Los rateros) supuso la primera nominación al Oscar al mejor score original para John Williams. Posteriormente ganaría 4 en dicho apartado: Jaws, Star wars, ET y Schindler’s list. La película de Mark Rydell, con el que volvería a colaborar con posterioridad en The cowboys, Cinderella Liberty y The river, es una interesante y jocosa adaptación cinematográfica de la novela de William Faulkner protagonizada por Steve McQueen. La banda sonora de Williams, desde el punto de vista de su filmografía, refleja un cambio en su estilo desenfadado típico de su obra de los años 60, centrándose en esta ocasión en una música mucho más depurada que se apoya en un tema principal de fácil retentiva (‘marca de la casa’) y lleno de dinamismo.
El maestro neoyorquino casi siempre ha compuesto melodías principales de un indudable carácter. De hecho, en sus entrevistas suele aludir a la enorme dificultad que conlleva su creación. Es consciente pues de su importancia de cara a resaltar la fuerza de la historia a describir, y en The reivers vuelve a regalarnos toda una serie temática, pues en el fondo es inconformista y generoso, que brilla con luz propia. Es una obra, en definitiva, de tonalidad vigorosa y festiva que hace que el espectador y el oyente se sientan como personajes en el peculiar universo literario de Faulkner.
Orquestadores: Herbert W. Spencer y Alexander Courage.



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Día 163: "Night crossing" de Jerry Goldsmith (1981)


Night crossing (Fuga de noche) se sitúa en la filmografía del músico californiano Jerry Goldsmith entre The salamander y The omen 3: The final conflict. Fue un momento en el que sus obras seguían la pauta de una instrumentación vigorosa aún alejada, en cierta manera, de la posterior influencia de los sonidos sintetizados (aunque también es cierto que con anterioridad Goldsmith los utilizó 'generosamente', por ejemplo, en Logan’s run).
Night crossing es una película del irregular realizador Delber Mann, protagonizada por autores casi siempre muy inspirados como John Hurt, Ian Bannen o Jane Alexander. La historia real de dos familias de la Alemania del este que deciden escapar de su país construyendo un globo, es retratada por Goldsmith valiéndose de su bien conocido estilo académico en el que una melodía principal conmovedora hace que el espectador se identifique con el argumento de un modo más efectivo. De hecho, los dos temas con los que concluye la banda sonora, Final flight e In the west, aparte del que podéis escuchar en el archivo de Youtube, Main title, son reflejo de dicha sensibilidad a la hora de acentuar la odisea de los tribulados personajes.
Orquestador: Arthur Morton.



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Día 162: "Hatari!" de Henry Mancini (1962)


Henry Mancini fue autor de cerca de 200 bandas sonoras entre cine y televisión. Ganador de 4 Oscars (Breakfast at Tiffany's -canción y score-, Days of wine and roses -canción-, Victor/Victoria -adaptación-), el músico nacido en 1924 en Cleveland forma parte de los grandes compositores de la historia del cine. Incluso es preciso añadir que en la mayoría de las estadísticas aparece entre los diez primeros....merecidamente.
En 1962, justo después de su increíble éxito con Breakfast at Tiffany's y antes de otro aún más notable, The Pink Panther, fue contratado por el productor y realizador Howard Hawks para escribir el score de su maravillosa comedia de aventuras de ambiente africano, Hatari! Para la película protagonizada por John Wayne y una dulce Elsa Martinelli, Mancini compuso una banda sonora que seguía la pauta estilística que desarrolló con anterioridad en Breakfast at Tiffany's y que, con posterioridad, le marcaría como autor internacionalmente. Dicho estilo se caracteriza por el empleo de melodías de suave tono jazzístico, muy influidas a su vez por la música de origen latino, pero en el caso de Hatari! con un inevitable aire étnico africano que otorga, en definitiva, a su partitura de una frescura e ingenio muy del gusto de los años 60.
Desde su Theme from Hatari hasta el célebre Baby elephant walk, Hatari! es hoy en día uno de sus scores más representativos y una delicia para todo amante de lo exquisito.

Orquestadores: Jack Hayes y Leo Shuken.




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Día 161: "Old gringo" de Lee Holdridge (1989)


Old gringo (Gringo viejo), del director argentino Luis Puenzo, fue un intento francamente interesante de resucitar para la gran pantalla los clásicos melodramas de corte histórico del cine norteamericano, con evidente ambientacion muy al estilo del western, pero que por desgracia no tuvo la repercusión que se merecía entre el gran público.
La película, protagonizada por Jane Fonda, Jimmy Smits y Gregory Peck (quien sustituyó por problemas con las aseguradoras al previsto en un principio, Burt Lancaster), contó con la muy inspirada colaboración de Lee Holdridge. El músico haitiano compuso un score lleno de referencias a la música tradicional mejicana (a recordar en este sentido la superlativa El pueblo del sol), pero sin dejar de lado el obvio subrayado incidental, que, en este caso, abandona los postulados más evidentes para crear una obra de innegable calidad artística donde brillan con luz propia las melodías centradas en los momentos más reposados de la acción argumental.
Desde siempre he considerado a Holdridge el autor más infravalorado de la historia del cine, y aún hoy en día me resulta del todo incomprensible que su talento no sea reconocido en Hollywood con más evidencia.
Orquestador: Ira Hearshen.



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Día 160: "Tours du monde, tours du ciel" de Georges Delerue (1991)

La afamada serie documental sobre astronomía e historia de la ciencia, Tours du monde, tours du ciel, realizada en 1991 por Robert Pansard-Besson y estructurada en 10 episodios, ha pasado a la historia no sólo por su incuestionable calidad sino, sobre todo, por su banda sonora original, obra de Georges Delerue. El genio francés compuso una de sus partituras más importantes, pues en ella da rienda suelta de manera increíblemente descriptiva a todo su innegable talento como creador de melodías conmovedoras. En particular, sus temas denominados Stellaire (cuatro en la edición discográfica), de los que podéis escuchar el primero en el archivo de Goear, son el exponente de un artista con mayúsculas que siempre ha plasmado en el pentagrama una pasión cuya intensidad emocional perturba por su fuerza romántica.
Tours du monde, tours du ciel tan sólo tiene una duración de 22 minutos, pero en este corto espacio de tiempo nos sumimos en una especie de catarsis melancólica que parece no querer abandonarnos gracias a su refinamiento a prueba de trivialidades. Una incuestionable obra maestra.

Orquestador: Georges Delerue.


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Día 159: "Hangover Square" de Bernard Herrmann (1945)

Hangover Square (Concierto macabro), es una auténtica rareza en la historia del cine. La película de John Brahm combina con inusitada pericia el thriller psicológico y el terror en una combinación que se ve reforzada por la siniestra fotografía de Joseph LaShelle y, sobre todo, por la magistral partitura del maestro Bernard Herrmann.
Hangover Square fue su quinta banda sonora tras Citizen Kane, The devil and Daniel Webster (su único Oscar), The magnificent Ambersons y Jane Eyre. Herrmann, con tan sólo 34 años, compuso un score en el que dominan las melodías enfáticamente lúgubres, pero no desde lo ampuloso o vacíamente solemne sino desde su peculiar sentido de lo contenido. Es una música cuyo clasicismo se refuerza en el tramo final del filme con el célebre Concerto macabre, pieza que forma parte de la historia de la música no sólo por su perfección técnica sino por ser de los pocos conciertos para piano y orquesta que concluyen con la interpretación del piano sin el acompañamiento tradicional, en este tipo de creaciones, de la orquesta.
Hasta la fecha no existe ninguna edición discográfica que incluya aisladamente la banda sonora de la película. Las más destacables, en forma de recopilación, son la reciente de Chandos (imagen) y la publicada en 1995 por Tsunami.

Orquestador: Bernard Herrmann.



Hangover square
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Día 158: "Prophecy" de Leonard Rosenman (1979)


Hemos tenido que esperar 31 años para ver publicada oficialmente, y gracias a FSM, una de las bandas sonoras más importantes de la década de los 70: Prophecy (Profecía maldita), escrita por Leonard Rosenman. La película de John Frankenheimer protagonizada por Talia Shire y Robert Foxworth, una mezcla interesante de terror y thriller ecológico, fue en su momento un notable éxito de taquilla, que no de crítica (ver www.rottentomatoes.com/). En cuanto al score de Rosenman, el inolvidable autor de obras maestras como East of Eden (su primera obra, compuesta en 1955 cuando tan sólo tenía 31 años y gracias a la mediación de James Dean, del que era su profesor de piano), The Lord of the Rings o Star Trek IV, el músico neoyorquino creó una partitura en la que resulta evidente la influencia dodecafonista de Arnold Schönberg (su profesor en su juventud), caracterizada por una atonalidad melódica que parece querer eludir conscientemente la temática romántica.
Rosenman juega con la orquesta a través de una instrumentación abiertamente vanguardista y muy funcional, que da prioridad a los matices tenebrosos de la música mediante el empleo de un metal un tanto estridente y una percusión de intensidad moderada. Es, en definitiva, una especie de sinfonía del horror que muestra el lado más oscuro de un autor de enorme personalidad.

Orquestador: Ralph Ferraro (no acreditado).
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Día 157: "Il Gattopardo" de Nino Rota (1963)


Desde 1933 con Treno popolare, y cuando tenía 22 años, hasta 1979 con Le comte de Monte-Cristo, el compositor italiano Nino Rota escribió más de 150 bandas sonoras, principalmente para la gran pantalla. Autor de una importante obra de concierto, sin embargo es conocido popularmente por sus partituras cinematográficas, y en especial aquellas que pertenecen a su estrecha colaboración con el cineasta Federico Fellini (La Strada, La dolce vita, Fellini 8 ½, Satyricon, Roma,…). Además, gran parte de su filmografía se centra en el cine italiano, trabajando con directores de la talla de Alberto Lattuada (Senza pietà), Mario Monicelli (La grande guerra) o Luchino Visconti (Rocco e i suoi fratelli).
Una de sus creaciones más sobresalientes es Il Gattopardo (El Gatopardo), precisamente de un filme de Visconti, protagonizado por un ‘marginado’ por el doblaje italiano Burt Lancaster. El score de Rota es el perfecto ejemplo de su estilo neorromántico caracterizado por una tonalidad delicada y clasicista deudora de músicos como Richard Strauss o Giacomo Puccini.
La música se estructura en dos partes: por un lado, la partitura incidental que subraya la acción, y que en las grabaciones existentes hasta la fecha se refleja en cortes de larga duración a modo de suite (en principio los destacables); y, por otro, una serie de temas de baile como Valzer dil commiato o Galop. Curiosamente, Nino Rota decidió dejar en la grabación definitiva la primera sesión de ensayos con la orquesta, pues consideró que al ser en el fondo reflejo de la representación de lo que aparecía realmente en la película (la orquesta del baile), debería mostrar un aire de cierta improvisación.

Orquestador: Nino Rota (no acreditado).



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Día 156: "El Cid" de Miklós Rózsa (1961)


Tradicionalmente se ha considerado al maestro húngaro Miklós Rózsa el máximo exponente del cine histórico. Prueba de ello son sus obras maestras That Hamilton woman, Quo Vadis, Plymouth adventure, Valley of the kings, A time to love and a time to die, Ben-Hur, King of Kings, Sodom and Gomorrah, The private files of J. Edgar Hoover y El Cid. Esta última corresponde a una etapa de su carrera en la que parecía dedicarse en exclusiva a dicho género cinematográfico, pues desde 1958 hasta 1962 de las seis bandas sonoras que compuso cinco eran de corte histórico.
El Cid es una más que notable película de Anthony Mann que le debe mucho de su eficiencia a la labor en la producción de Samuel Bronston y, en especial, al espectacular pero al mismo tiempo muy sutil y sobrio score de Rózsa.
Para su elaboración contó con la inestimable ayuda de Ramón Menéndez Pidal, quien le mostró para su inspiración las Cantigas de Santa María recopiladas por Alfonso X, el Sabio. Sin embargo, aunque desde el punto de vista estructural la banda sonora procura acercarse al universo musical medieval, en el fondo resulta una partitura que refleja el lado más pasional y vigoroso de Rózsa, en el que imperan las fanfarrias y una contundente instrumentación que hace que resplandezca la orquesta como pocas veces en la historia del cine.
Señalar finalmente que, aparte de las ediciones que incluyen la banda sonora original, existen dos magníficas que, por su perfección, merecen formar parte de toda discoteca: la publicada en 1996 por Koch con la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda, y la más reciente de Tadlow que editaba el score completo (e interpretada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de Praga), y que se puede disfrutar en el vídeo de YouTube.
Orquestador: Eugene Zador (no acreditado).




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Día 155: "The fury" de John Williams (1978)

Compuesta justo después de Close encounters of the third kind (1977), The fury (La furia) es posiblemente la mejor banda sonora de John Williams. El score del maestro neoyorquino supone, dentro de su obra, un notable cambio de registro en su concepción de la música de cine. Williams se apoya en una instrumentación en apariencia más solvente pero, sobre todo, en una línea temática que será la predominante en su filmografía a partir de 1978, caracterizada por bandas sonoras de producción más cuidada y con un acabado realmente eficiente.
The fury es una película irregular de un realizador irregular: Brian de Palma. Pese a sus deficiencias, la sobresaliente actuación de Kirk Douglas y el tono de suspense in crescendo acentuado por el score hacen de la película una rara avis dentro del cine de los años 70.
La banda sonora sigue la tradición de John Williams de editar discos en los que todos sus temas parecen ser los protagonistas de cualquier otra obra de otro autor, resultando en definitiva un score imponente, de enérgico dramatismo y que forma parte viva de la historia de la música del siglo XX.
Como detalle señalar que en 2002 el sello Varèse Sarabande publicó, en su serie CD Club, la partitura completa en dos discos; en el primero aparecía la banda sonora original y en el segundo la grabación que Williams realizó a partir de la misma (algo que casi siempre ha hecho con sus obras). Información en www.varesesarabande.com

Orquestador: Herbert W. Spencer.


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Día 154: "Judge Dredd" de Alan Silvestri (1995)

Como en muchos otros casos en la historia del cine, el score de Alan Silvestri para la película dirigida con pulso poco firme por Danny Cannon, Judge Dredd (Juez Dredd), se sitúa muy por encima de las pueriles imágenes. El compositor neoyorquino hace gala, una vez más, de su bien conocido estilo caracterizado por la instrumentación poderosa, creando una obra intensa, sin altibajos en la que sobresale su imponente Main theme, posiblemente el mejor en cuanto a su acabado de su extensa y fructífera carrera (aunque la Suite que podéis escuchar en el archivo de Goear, y perteneciente al concierto en Madrid, es también sobresaliente e incluye dicho tema).
La edición del sello Epic Records publicada en 1995 deja, afortunadamente, un papel casi protagonista a la partitura de Silvestri, en una decisión muy poco habitual entre las discográficas cuando incluyen en el CD canciones (aparezcan o no en el montaje final del filme). Judge Dredd resulta pues una banda sonora que combina a la perfección la música rock más metálica con el sinfonismo clasicista de un autor de innegable profesionalidad y carácter.

Orquestadores: Steven Scott Smalley, Bobby Muzingo (no acreditados) & William Ross (oficial).



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Día 153: "Sphere" de Elliot Goldenthal (1998)

Sphere (Esfera) es la primera banda sonora de Elliot Goldenthal en el blog, y no por ello es un autor que podría calificar como de segundo orden; más bien todo lo contrario. El músico neoyorquino es además uno de los menos prolíficos de los grandes compositores de música cinematográfica, pues desde que escribió su primer score, Cocaine cowboys, en 1979, sólo ha compuesto la música de 30 obras entre cine y televisión.
Sphere se sitúa cronológicamente entre The butcher boy e In dreams, curiosamente dos producciones del realizador Neil Jordan. Para la entretenida (y muy vilipendiada) película de ciencia-ficción de Barry Levinson basada en la novela del gran Michael Crichton, Goldenthal compuso una partitura abiertamente vistosa y colorista (Main titles, Sphere discovery, Their beast within), que no evita, sin embargo, el lado más tenebroso de la historia (Water snake). Todo ello es descrito a través de matices musicales próximos al dodecafonismo atonal de autores clásicos como Schöenberg o Boulez, pero sin dejar de lado el componente más tonal cercano a Mahler y Strauss.

Orquestadores: Elliot Goldenthal, Deniz Hughes (no acreditado) & Robert Elhai.



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Día 152: "Iris" de James Horner (2001)


La novela de John Bayley sobre su relación con la escritora Iris Murdoch, llevada en este caso a la gran pantalla por Richard Eyre, es un emotivo viaje sentimental perturbado por el Alzheimer que sufrió la autora irlandesa. Para acompañar musicalmente Eyre recurrió al compositor californiano James Horner, quien para Iris realizó una de sus bandas sonoras más delicadas.
Dejando casi todo el protagonismo al violin de Joshua Bell, Horner recrea con majestuosa sensibilidad cromática el peculiar universo de la pareja, a través de una estructura dividida en 8 partes sin nombre alguno, como si de una suite sinfónica para violín se tratase.
Es pues un delicado concierto que brilla por su solidez instrumental, alejándose de estridencias y subrayados exagerados, como si Horner pretendiese rendir un homenaje a la obra de Iris Murdoch dejando de lado lo meramente superficial.

Orquestadores: James Horner, J.A.C. Redford & Randy Kerber.

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Día 151: "Jaws 2" de John Williams (1978)

Desde 1978 hasta 1980 John Williams compuso algunas de sus mejores bandas sonoras: The fury, Superman, Dracula, 1941, The Empire strikes back y la continuación de Tiburón, Jaws 2 (Tiburón 2). En un principio podría parecer algo extraño incluir en el blog la segunda parte en detrimento de la primera banda sonora, tradicionalmente considerada (y no sólo por su merecido Oscar) como una de sus obras clave. Sin embargo, Jaws 2 es un score de producción mucho más cuidada que se sitúa muy por encima de la película realizada por Jeannot Schwartz.
El tema inicial, Finding The Orca (Main title) es una revisitación de la inmortal melodía que hizo célebre Williams a la hora de presentar al escualo protagonista, y desde este prólogo el músico neoyorquino nos invita a disfrutar de todo un conjunto de melodías a cada cual más notable, desde el burlesco The menu hasta los enérgicos y profundamente melodramáticos Fire aboard and Eddie's death y Attack on the water skier, sin olvidar uno de los más destacables en la filmografía de Williams: End title, end cast. Además, Jaws 2 tiene una virtud que pocas bandas sonoras poseen: se escucha una y otra vez sin sensación de tedio.

Orquestador: Herbert W. Spencer.



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Día 150: "Dinosaur" de James Newton Howard (2000)


Compuesta después de una de sus obras maestras, Snow falling in cedars, el score de James Newton Howard para la muy recomendable producción animada Disney Dinosaur (Dinosaurio) supone un antes y un después en la carrera del músico californiano. Es cierto que con anterioridad ya compuso bandas sonoras cuyo carácter épico era su característica más destacada (Wyatt Earp, Waterworld, The postman), pero a partir de Dinosaur Newton Howard afirmó un estilo en el que imperaba una instrumentación inspirada en autores como Igor Stravinsky, Dimitri Shostakovich o, sobre todo, Sergei Prokofiev. Ello es significativo en otras partituras ‘animadas’ como Treasure planet o Peter Pan.
Sin embargo, para Dinosaur la estructura temática se centra más en el componente atonal, como si conscientemente el compositor intentara reflejar un mundo de apariencia pueril pero de fondo profundamente trágico. Es, en definitiva, un score cuya espectacularidad seduce por su intensidad emocional, buscando con ello que el oyente, y obviamente el espectador, se identifique con el drama, más o menos edulcorado, que narra la película.
Orquestadores: Jeff Atmajian, Brad Dechter & James N. Howard.



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Día 149: "Ágora" de Dario Marianelli (2009)


Nos encontramos ante una de las bandas sonoras de 2009 más notables, sin duda alguna. Ágora resulta un trabajo musical de primer orden en el que el compositor italiano Dario Marianelli, al que 'gentilmente' el realizador Alejandro Amenábar ha cedido la batuta,dibuja una creación cercana a la perfección. Toda la temática es brillante, aunque sin ese toque mágico de los grandes melodistas que componían temas memorables y de fácil recuerdo.
La partitura se abre con una pieza en la que una voz femenina protagonista anuncia un mundo antiguo, perdido en el tiempo, bajo un manto de serena atonalidad que deslumbra pese a su apariencia poco amable. A continuación, el afortunado autor nos lega toda una serie de momentos sobresalientes, en los que la orquesta y el coro jamás decepcionan y que recuerdan en más de un momento a la abandonada a su suerte Troya de Gabriel Yared.


Orquestador: Benjamin Walfisch.

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Día 148: "Dirty rotten scoundrels" de Miles Goodman (1988)



El sello La-La Land Records editó el pasado 9 de marzo una de las bandas sonoras más codiciadas por los aficionados: Dirty rotten scoundrels (Un par de seductores). El compositor del score es Miles Goodman, autor de más de 60 obras entre el cine y la televisión desde 1975 (cuando sólo tenía 26 años).
En sus comienzos, aparte de componer partituras más o menos memorables, trabajó como orquestador de su primo Johnny Mandel para Being there y The verdict. Pero pronto tuvo la oportunidad de empezar a demostrar su talento en películas cuya música incidental parecía ocultarse entre la espesura de las canciones, destacando en aquella época Teen wolf, Footloose, La Bamba y muy especialmente la ya comentada Little shop of horrors, filme que supuso el inicio de su colaboración con el realizador Frank Oz. Con él volvería a trabajar en What about Bob?, HouseSitter y Dirty rotten scoundrels. Esta última es quizás su score más relevante por su desenfadada comicidad, siendo precisamente la comedia su género más común (K-9, Sister Act 2, The super,....).
Goodman parte de un tema central juguetón y abiertamente irónico que da paso a todo un festival musical en el que tienen cabida desde adaptaciones de canciones clásicas de Jerome Kern e Irving Berlin, hasta piezas en las que el tango y el jazz se fusionan en una simbiosis modelo de estilismo orquestal.

Orquestadores: Thomas Pasatieri, Óscar Castro-Neves & Victor Sagerquist.
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Día 147: "Man on fire" de John Scott (1987)


John Scott es uno de mis compositores favoritos. Tiene la elegancia y el toque de profesionalidad tan típico de los músicos británicos. En la actualidad no se prodiga demasiado y sus trabajos suelen centrarse en documentales. Casi todos sus scores son pequeñas piezas de coleccionista: Antony and Cleopatra (1972), The final countdown (1980), Greystoke (1983), Lord Mountbatten (1985), King Kong lives (1986), Shoot to kill (1988), … o Bala blindada (Man on fire). Es precisamente esta última banda sonora, junto con Greystoke, la más apreciada por los aficionados. De hecho fue editada en su día por Varèse Sarabande y en la actualidad está descatalogada, pudiendo adquirirse a día de hoy al precio de 137 $ (www.amazon.com).
La película protagonizada con sobriedad por Scott Glenn es un pequeño clásico que tuvo su irregular remake con Denzel Washington, Man on fire (El fuego de la venganza). En cuanto a la composición de John Scott resulta de una inusitada brillantez, en especial el inmortal tema central, así como su tema de amor melancólicamente inolvidable. El resto de la partitura recorre quizás los caminos un tanto trillados del thriller, pero siempre desde la elegancia y no desde lo recargado. Una obra maestra.
Orquestador: John Scott.



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Día 146: "The sunchaser" de Maurice Jarre (1996)


Una de las bandas sonoras más buscadas por los aficionados es The sunchaser de Maurice Jarre. Aún sin editar oficialmente (aunque en realidad el sello Milan publicó una cantidad mínima como Promo - en la imagen -), existe en el mercado un CD bootleg que incluye una breve suite del score. La música del genio francés es un recorrido por su pasión clasicista y étnica, tan presente en la mayor parte de su obra.
Para la película de Michael Cimino protagonizada por Woody Harrelson y Jon Seda, Jarre compuso una serie de temas realmente sobresalientes en lo melódico y espectaculares en la orquestación, legándonos una banda sonora de auténtico lujo, desgraciadamente un tanto olvidada y que merece el mayor de los reconocimientos por su restauración de lo clásico en un momento en el que lo electrónico parecía inundar el panorama cinematográfico.
Orquestadores: Patrick Russ & Maurice Jarre.



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Día 145: "Triumph of the spirit" de Cliff Eidelman (1989)


Hay algo en la música de Cliff Eidelman (Los Ángeles, 1967) que embruja. Algo seductor y de apariencia sencilla que no oculta su más que refinado estilo melódico. Desde sus inicios con su clasicista Sinfonía de primavera (Magdalene) (1988), cuando tenía tan sólo 21 años, hasta obras más actuales como One true thing (Cosas que importan) (1998) o An american rhapsody (2001), Eidelman se ha mostrado como un compositor que ha diseñado una carrera desde la sobriedad y no desde la aparatosidad de la mayoría de sus compañeros de profesión.
En los últimos años ha dejado un tanto de lado su labor como músico cinematográfico, por lo que los aficionados nos vemos obligados a recordar sus scores de antaño, algunos ya clásicos, como este Triumph of the spirit (El triunfo del espíritu), su tercera partitura para la gran pantalla. Es una pieza orquestal dominada por la melancolía de sus notas, no en vano la acción del film protagonizado por Willem Dafoe se desarrolla en un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. Y son precisamente los propios orígenes judíos de Eidelman los que le aportan una energía creativa que otorga a esta magna obra el carácter de clásico imperecedero. Una joya que permanecerá siempre en nuestro recuerdo.
Orquestador: Mark McKenzie.



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Día 144: "The trouble with Harry" de Bernard Herrmann (1955)

1955 fue un año muy prolífico para Bernard Herrmann: Prince of players, The kentuckian y The trouble with Harry. Y digo prolífico porque habitualmente el compositor neoyorquino no solía componer más que una o dos bandas sonoras por año. Pero lo que resulta significativo del mismo es que The trouble with Harry (Pero...¿quién mató a Harry?) supuso el inicio de la colaboración con el realizador británico Alfred Hitchcock, amistad artística y personal que llegaría a mal puerto en 1966 con el score rechazado para Turn curtain. Once años de grandes obras musicales y cinematográficas, tales como Vertigo, Psycho o Marnie.
En el caso de The trouble with Harry se trata de una rareza en la carrera de ambos, pues no es fácil encontrar en sus filmografías obras de carácter tan abiertamente desenfadado. Herrmann juega muy a su manera con la paradoja musical, combinando la temática típica del thriller con la refinadamente melancólica, en un cóctel que demuestra su innegable capacidad a la hora de evocar el peculiar universo de Alfred Hitchcock.

Orquestador: Bernard Herrmann.




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Día 143: "Little shop of horrors" de Alan Menken, Howard Ashman & Miles Goodman (1986)

Alejada en lo visual y musical, obviamente, de la predecesora película de Roger Corman, Little shop of Horrors (La pequeña tienda de los horrores) resulta, en su nueva revisitación, más una obra de Alan Menken (música) y Howard Ashman (letra) que del realizador Frank Oz, pues se parte del hecho de que es, en el fondo, una adaptación del musical de Off-Broadway.
Tras Paint your wagon e Into the night, Little shop of horrors, si mi memoria no me falla, es la tercera banda sonora que incluyo en el blog caracterizada por estar protagonizada por canciones.

Desgraciadamente, en el caso de la obra de Menken y Ashman no se incluye en ninguna de las ediciones aparecidas hasta la fecha (salvo el bootleg) la música incidental de Miles Goodman, quien compuso un score realmente apasionante que merecía mejor suerte en dichas publicaciones. Sin embargo, las estrellas de la banda sonora son las canciones, y, como en las grandes creaciones de este género, ninguna de ellas merece ser aislada del conjunto.
El ocho veces oscarizado Alan Menken juega musicalmente con el estilismo pop de los años 50 y 60, recreando con ello toda una época vital en la historia de la música. Es pues un homenaje artístico que se ve beneficiado de las ingeniosas letras de Howard Ashman, quien parece tomar el relevo en lo sugerente de otro gran letrista: Alan Jay Lerner.



Orquestadores: Bob Gaudio, Robby Merkin & Thomas Pasatieri.





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Día 142: "Hombre" de David Rose (1967)

La carrera musical de David Rose dentro del mundo de la música de cine empezó en 1944, cuando el músico londinense tenía 34 años. Desde entonces los proyectos que llegaban a sus manos eran, por lo general, de escasa repercusión artística y comercial. En 1952 comienza su andadura en la televisión (The blue ribbon Christmas Eve musical), medio para el que realizará la mayor parte de sus obras, destacando su colaboración con el actor y productor Michael Landon en las series La casa de la pradera (Little house on the prairie), El padre Murphy (Father Murphy) y Autopista hacia el cielo (Highway to heaven). Para la primera Rose compuso la música de, nada más y nada menos, 204 episodios. Todas ellas se vieron beneficiadas de la elegancia y belleza de su música incidental, que parecía querer evitar el carácter simple y superficial de las bandas sonoras de la mayoría de producciones televisivas de la época.
En 1967 fue contratado por Martin Ritt para realizar el score de uno de los mejores westerns de los años 60: Hombre (Un hombre). Aunque David Rose contó con la inestimable colaboración de los orquestadores Jack Hayes y Leo Shuken, especialistas del género y habituales de Elmer Bernstein, su partitura está muy alejada de los cánones habituales del cine del oeste. Las intensas melodías a lo 'americana' abren paso en esta ocasión a tonalidades que dejan de lado lo evidente, es decir, el subrayado espectacular, para centrarse en la descripción del lado más amargo y sutil de la trama. Toda una rareza dentro de la música cinematográfica.

Orquestadores: Leo Shuken & Jack Hayes.



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A Florencio Herce y familia. Gracias por vuestra generosidad. Y, cómo no, a todos aquellos que me habéis mostrado vuestro apoyo.

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